jueves, 14 de julio de 2011

MODELOS A SEGUIR

HELMUT NEWTON


 
La  forma de acercarse, de mirar de Helmut Newton no solo revela un momento sino que nos abre la mirada y el deseo de saber. Sus imágenes logran hechizar y con hechizar quiero decir que logran que el espectador se quede sumergido en una contemplación prolongada   de sus fotografías.   Lo primero que se siente al mirar una imagen creada por Newton es la necesidad de quedarse observándola detenidamente. Despierta el instinto voyerista en cada uno   y con esto comienza una invitación a una exploración del mundo revelado; interrogando las figuras, los objetos, los lugares, logrando así convertir un instante   en toda una historia.


Su mirada esta enfocada, tiene unos limites definidos, lo cual hace más fácil introducirse en sus fotografías; su enfoque, el centro de su arte, está claramente dotado de figura humana y no cabe duda que su objeto tiene cuerpo de mujer.


Lo primero que hipnotiza y que sorprende la mirada del espectador que se coloca ante una imagen suya es una presencia femenina; la mujer desnuda, hermosa, perfecta, mostrando sin recato su belleza; la mujer provocadora   que invade la razón y abre campo a las pulsiones viscerales, como decía el mismo Newton “Mi aproximación se aleja de un extremo demasiado intelectual. Es más visceral que intelectual,”   más fantástica que real. Esa supuesta perfección de sus desnudos, nos aporta su punto más importante, su irrealidad, un submundo a explorar.


Las obras de Helmut Newton van mas allá de la mera reproducción de la figura, muchas de ellas potencializan y expresan muchas otras emociones y situaciones.






by: 'Fernandda Rguezz

REFERENCIA:http://www.buenastareas.com/ensayos/Helmut-Newton/542806.html

MODELOS A SEGUIR

SUGIMOTO


Hiroshi Sugimoto es una de los fotógrafos más reconocidos de su generación. Ganador del prestigioso premio Hasselblad en el 2001, sus fotografías en blanco y negro combinan el riguroso tratamiento conceptual con una dominio de la técnica fotográfica.

Nace en 1948 en Tokyo y en 1972 se traslada a estudiar fotografía a Los Ángeles en el Art Center College of Design. Fotógrafo desde los años 70, su vida profesional transcurre entre Nueva York y Tokyo. Entre sus principales influencias artísticas se encuentran el Surrealismo, el Dadaísmo y en especial una conexión con la obra y la filosofía de Marcel Duchamp.


Asimismo, cuando inició su carrera las corrientes más en boga eran el conceptualismo y el minimalismo, cuya influencia en su composición es indudable. Su obra gira entorno la relación entre la historia y la existencia temporal. Usa la fotografía como máquina del tiempo, preservando y plasmando la memoria. Con esta idea ha realizado las series Dioramas (1976-), Theaters (1978-) y Seascapes (1980-). 


  Extremadamente sensible a la escultura, la pintura, la arquitectura y la filosofía encuentra en la cámara un vehículo para captar al “sujeto” en su esencia, con independencia de su origen (material o natural). El resultado compositivo se caracteriza  por el equilibrio y la simetría, lo que produce una sensación de delicadeza y fragilidad.


Estudia cuidadosamente los efectos de la luz para plasmar en el instante preciso la emoción concreta.Trabajador obsesivo y perfeccionista, ha desarrollado series fotográficas durante más de treinta años. En el apartado de retrato tiende a “congelar” al sujeto en el espacio.


En su serie “Portraits” (1999) selecciona cuadros barrocos y esculturas de museos de cera y las reinterpreta mediante un elaborado proceso de iluminación que reproduce las condiciones lumínicas de la época en que fueron realizados.Podemos encontrar obra suya en las más prestigiosas colecciones contemporáneas de fotografía como el Guggenheim, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Center for Contemporary Art, Kitakyushu, Japan o la Pulitzer Foundation for the Arts.




by: 'Fernandda Rguezz

referencia:http://galerias.artelista.com/principal-art/artistas/sugimoto-biografia.html

MODELOS A SEGUIR

DUANE MICHALS


Duane Michals nació en McKeesport, Pennsylvania en Febrero de 1932, hijo de una familia obrera. Michals se interesó en el arte con la adolescencia y se apuntó a clases de acuarela en el instituto Carnegie de Pittsburgh. Estudió Bellas artes en la universidad de Denver para iniciar después un curso de postgrado en la escuela de diseño Parsons, en Nueva York, aunque abandonó los estudios de diseñador gráfico antes de finalizarlos.


Comenzó a fotografiar en los 50, añadió texto a sus imágenes a los 60 y, a finales de esa misma década, comenzó a trabajar en secuencia.
En 1958 viajó a la Unión Soviética y con una cámara prestada retrató a las personas que se encontraba. Con estas  imágenes organizó su primera exposición en a Underground Gallery de Nueva York. A partir de entonces se dedicó de lleno a la fotografía, hasta el punto de ser considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX.

Encuentros
 Duane ha realizado portadas para la revista Life, desplegables de moda para Vogue, reportajes anuales para el New York Times, hasta campañas de publicidad para Gap y Microsoft. Incluso se aventuró en la fotografía y diseño la portada del album Synchronicity de The Police.

Su realidad está formada por apariencias y experiencias asociadas a sus sentimientos. Trabaja con lo invisible, elementos abstractos como el sueño, la muerte o el deseo. Parte del recuerdo para encontrar nuevas formas de expresión, a la par que juega con memoria y tiempo.


El espectador debe hacer uso de su imaginación para rellenar los espacios vacíos de información siempre presentes en sus imágenes, y al completar la historia que Michals narra alcanzamos el Punctum definido por Barthres (cuando una foto es capaz de marcar al espectador por su propia experiencia).

Construyo una pirámide

 Sus obras parten de la idea, se preocupa por lo artístico dejando de lado lo técnico y destaca el papel de emociones y sueños. Por esta razón su trabajo ha sido considerado un ejemplo de fotografía conceptual. Influenciado por artistas de la talla de Magritte y Balthus, Michals incluyó textos filosóficos a sus imágenes que reflexionan sobre la muerte, el sexo y la fe entre otros temas. A lo largo de su obra ha experimentado con exposición múltiple y ha incluido dibujos y textos a sus imágenes.

Autorretrato como si estuviera muerto






by: 'Fernandda Rguezz



MODELOS A SEGUIR

MICHIKO KON


JAPONESA, NACIÓ NE 1955
Estudia arte y luego se inicia en la fotografía.
Vive cerca del mercado de pescados. Realiza sus fotografías princiopalente con pescados.
 Sus naturalezas muertas con piel de pescado, huevas de salmón, el repollo relleno de medias, a menudo en forma de ropa, han sido bien recibidos tanto en Japón como en el extranjero. Sus fotografías se construyen, fuerte, con negros profundos y blancos brillantes, y muy divertido. Sus primeros trabajos aparecieron en la monografía de 1987 Coma, y en una segunda monografía, Michiko Kon, Naturaleza Muerta, en 1997. Ha recibido numerosos premios.





by: 'Fernandda Rguezz

referencia:http://arts.jrank.org/pages/10859/Michiko-Kon.html

MODELOS A SEGUIR

JOEL PETER WITKIN



Joel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense.

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

 


Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una téFotoscnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.




by: 'Fernandda Rguezz

REFERENCIA:http://www.taringa.net/posts/arte/3831111/Joel-Peter-Witkin-_Biografia_.html

TIPOS DE OBJETIVOS

Muchas cámaras usan lentes intercambiables. La diferencia en estos lentes reside en la longitud focal, que no es mas que la distancia que existe entre el centro óptico del lente y el punto donde este enfoca (el plano de foco).

La longitud focal es lo que determina cuan cerca o cuan lejos aparecen los objetos cuando la imagen se proyecta en la película o el sensor. Esto es lo que se conoce como aumento. La potencia de este aumento se mide en milímetros.
Ademas de esto, la longitud focal determina que parte de la escena es visible o lo que se conoce como angulo visual.

Todos estos elementos determinan como el observador ve el trasfondo y el objeto fotografiado.
Cuando un fotógrafo habla de la velocidad de sus lentes, simplemente se refiere a la cantidad de luz que se trasmite a través del lente hasta el sensor o la pelí­cula.

Una apertura grande (f4 por ejemplo) permite que entre mas luz que una apertura pequeña (f16). Mientras mas rápido es el lente mas caro es.
Existen básicamente tres tipos de lentes en la fotografí­a moderna.

El lente normal que proyecta una imagen que se parece mucho a lo que el fotógrafo ve con sus propios ojos sin mirar a través de la cámara. Un lente entre 40 y 55mm es lo que se conoce como un lente estándar para una cámara de 35mm o DSLR.



El telefoto por el otro lado, permite que el fotógrafo capture la luz desde grandes distancias y que los objetos aparezcan estar mas cerca de lo que realmente están. Los lentes entre 70-105mm son considerados telefotos cortos y se les conoce a veces como los lentes para retratos, puesto que son los lentes ideales para fotografías desde los hombros hacia arriba.
Un lente de 200mm es el telefoto mas común. Los paparazzis, fotógrafos deportivos y los observadores de aves utilizan por lo general telefotos de alrededor de 400 a 600mm.



  gran-angular : son el lado opuesto de los telefotos y hacen que la escena aparezca mucho mas de lejos de lo que esta en realidad pero tiene como ventaja que el campo visual es mucho mas grande. Los lentes de menos de 35mm son considerados gran-angular. Los lentes alrededor de los 24mm se consideran ultra-gran-angular.
Actualmente, el mercado se ha abocado a dos tipos principales de lentes: los lentes de longitud focal fija (Primordial) y los lentes Zoom. Estos ultimos le permiten variar la longitud focal (y por lo tanto el angulo visual) mientras que el foco permanece constante.
Los lentes Zoom tienen diferentes longitudes focales, como ya dijimos, y esta puede ser cambiada mediante uno de los anillos en el lente. Anteriormente todos los lentes zoom eran telefotos por lo que muchas personas usan los términos para significar la misma cosa. Esto es un error, puesto que hoy en dí­a existen lentes zoom que van desde gran-angular hasta telefoto.



lente macro. Estos son utilizados para macro-fotografí­a o de acercamiento. Estos lentes tienen las mismas caracteristicas de los lentes normales, pero permiten enfocar mucho mas de cerca al sujeto. Estos lenten tienen por lo general una longitud focal de 50/55mm o 90/100/105mm. Mientras mayor sea la longitud focal mas lejos podra usted colocarse del sujeto.

Los lentes Ojo de Pescado o “Fisheye” se parecen a los ojos de los peces y tienen un angulo visual de casi cerca de los 180 grados. Las fotos que se obtienen con estos lentes siempre muestran distorcion en los bordes de la foto.

by: 'Fernandda Rguezz

REFERENCIA:http://www.mueses.com/photografia/tipos-de-lentes/

LA PELÍCULA

LA PELICULA Y EL CÁLCULO DE LA EXPOSICIÓN

La exposición: cantidad de luz que llega a la película, la cual se controla mediante la abertura y la velocidad.

Una exposicion correcta se logra a través de la elección de la sensiblidad de la película y de la luminosidad del sujeto.

125 / 200 =  pieles y retratos
400= normal
800=días nublados
1600=entre más alto sea el iso más ruido digital vas a tener.
3200=el iso tronado (en análogo se utiliza para dar texturas)



LA PELÍCULA: FORMATO Y RÁPIDEZ

La mayoría de las cámaras de visor directo réflex emplean película de 35 mm en chasis con cantidad suficiente para 20 0 35 exposiciones de 24 x 36 mm.

RÁPIDEZ DE LA PELÍCULA

La sensibilidad o rápidez de la película se indica en grados asa o DIN. En Europa se usa preferentemente la escala DIN , pero en la mayoría de las películas incluye las dos.

Una película de iso 400 tiene la sensibilidad doble que otra de 200; si la sensibilidad se duplica también la rápidez.

Cuanto más rápida sea una película menos exposición requiere, aunque la imágen tendrá más grano.
La razón es que el aumento de sensibilidad se consigue fabricando la emulsión con granos de plata más grandes, claramente visibles en las ampliaciones.


by: 'Fernandda Rguezz

referencia: Veronica Escobar Morales